Category: CULTURA

Tradición y cultura en la XXIX edición del Festival Internacional de Narración Oral Cuéntalee

Ciudad de México, 15 de Julio (DE VAGOS/CÍRCULO DIGITAL).-El Festival Internacional de Narradores Orales Cuéntalee llega a su edición XXIX, y lo hace bajo el lema Las voces de la oralidad y la literatura. Contará con la presencia de artistas de diferentes partes del mundo, quienes compartirán con el público historias de diversas temáticas explotando la tradición oral de cada cultura.

La inauguración será el próximo domingo 15 de julio a las 12:00 en la sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes. Entrada libre, función para jóvenes y adultos.

El Foro Internacional de Narradores Orales (FINO), organizador de esta actividad con apoyo de la Coordinación Nacional de Literatura, presentará narradores orales de Argentina, Cuba, España, Francia, Panamá, Venezuela, Costa Rica y México.

“El Festival no tiene un eje temático, lo cual le da variedad a las fuentes literarias. Los participantes cuentan mucho de las tradiciones orales de sus países, de cada cultura; cuentan historias milenarias, esto hace que el público reciba una mayor variedad de relatos para enriquecer su realidad, su imaginario y su creatividad”, comentó Armando Trejo, director del FINO, al ser entrevistado.

La XXIX edición del Festival Internacional de Narradores Orales contará con 12 actividades dedicadas a adultos, jóvenes y niños en varias partes de la República Mexicana, y tanto la inauguración como la clausura serán en el Palacio de Bellas Artes.

Esta iniciativa se ha ocupado durante 29 años de acercar al público joven al arte de contar cuentos y se integra por más de 100 narradores, algunos con 3 décadas de trayectoria. Todos tienen una formación permanente y sesiones de ensayo para mejorar sus habilidades ante el público.

Dentro del equipo humano que integra al FINO existen diversos grupos que estarán presentes en el festival: Temprano cuentan los abuelos, taller conformado por los adultos mayores, en donde se han formado narradores profesionales. También están los participantes de El barrio toma la palabra, habitantes de los barrios de Tepito, la colonia Guerrero y Peralvillo. Uno de los más nuevos es Voces Trans-parentes, en el cual los integrantes se encargan de testimoniar, a través de su relato, lo que sucede en su entorno.

“El festival se realiza para fomentar y acercar a las personas al gusto por la lectura y la literatura, que encuentren en este ejercicio una actividad y un trabajo de imaginación y de formación”, finalizó el maestro Armando.

El cierre de este programa se llevará a cabo el domingo 22 de julio en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes a las 12:00. Entrada libre.

Hoy inicia el Festival Internacional Ollin Kan, 15 años de generar públicos en torno al gusto y conocimiento de las culturas ancestrales

Ciudad de México, 11 de Julio (MENSAJE POLÍTICO/CÍRCULO DIGITAL).-En 2003 nació en Tlalpan en el Festval Ollin Kan, el de las Culturas en risistencia. Hoy, 15 años después, se consolida como un referente internacional para promover las culturas ancestrales. A la fecha lleva 7 ediciones en Portugal y varias en Mali, Francia, Colombia, Brasil y en la mayoría de los estados de la República Mexicana.

Artistas de todo el mundo han sido parte del Ollin Kan, que en 2018 se realizará del 11 al 22 de julio en el Deportivo Vivanco y el Multiforo que lleva su nombre, ambos en la Delegación de Tlalpan. 16 agrupaciones internacionales y 25 mexicanas ofrecerán más de 40 conciertos en este evento, convertido en un espacio-tiempo que los recibe y cobija, que se abre a la reflexión, el aprendizaje, la aceptación y defensa de las culturas comunitarias.

En el Ollin Kan habita la multiculturalidad y pluralidad étnica que crea nuevos derechos sociales y culturales, en un ámbito de tolerancia e inclusión. Es una fiesta multicolor donde confluyen las expresiones musicales y dancísticas de Guatemala, Costa Rica, Francia, Cuba, Colombia, Venezuela, Malawi, Guinea, Mali, Costa de Marfil, Líbano, Chile y México.

A partir del miércoles 11 de julio el Ollin Kan será escenario de grandes compañías internacionales. Entre otras tres agrupaciones chilenas: Yaya Fuentes, Juanito Ayalay Holman Trío, este último conocido como uno de los más importantes bajistas eléctricos de jazz fusión y rock progresivo de Chile, dedicado a implementar el bajo como instrumento melódico.

De Costa Rica veremos a Huba Watson Sound System, con una interesante mezcla entre reggae y rap. Estará también Pibo Márquez (Champetrío),uno de los más grandes percucionistas de América Latina, quien ha tenido la oportunidad de pertenecer a importantes proyectos de grabación en vivo para la música fusión con gente como Joe Zawinull, Omar Hakim, Chico Freeman, Beny Golson, Antonio Farao, Cheik Tidiane Seck, entre otros. Será una oportunidad para ver a Sekou Kouyate, un joven virtuoso de la kora, que viene desde Guinea para tocar por segunda vez en Tlalpan.

Otros conciertos internacionales estarán a cargo de Awa Sanghoy Paco Sery. Awa Sangho, originaria de Malí, una de las estrellas más brillantes de África Occidental; descendiente de dos grandes imperios, los Songhai de Diré y los Mandés, su apellido indica que proviene de los Mabos, griots, cantantes historiadores de Songhai. Por su parte, Paco Sery, de Costa de Marfil, es uno de los mas virtuosos bateristas a nivel mundial que trabajó con numerosos artistas de diferentes géneros como Manu Dibango, Claude Nougaro y Nina Simone.

El cierre del Ollin Kan, el domingo 22 de julio en el Deportivo Vivanco, será apoteótico. Cheick Tidiane Seck, uno de los músicos mas importantes del África contemporánea. Sus arreglos son muy conocidos por los éxitos que ha tenido con Oumou Sangaré, Salif Keita, Santana,  Didi Bridge Water y Babani Koné, entre otros. Su música está inserta en lo más representativo del África occidental. Combina jazz, blues y la música Mandengue. Cheick es un exquisito de la música de Mali.

Otras agrupaciones internacionales son Viernes verde (Guatemala), Sureda ( Francia), Morena Son (Cuba), Roque y Masauko (Cuba-Malawi) y Afrotronix (Canadá). De los proyectos musicales originarios de nuestro país que exploran y fusionan reggae, ritmos africanos y caribeños, jazz, blues, rap, cumbia, música tradicional y electrónica, entre muchos otros, veremos a Cáñamo, Palos verdes y Mala Yerba ( los tres de Tijuana), Mama Sónika (Morelos), Paulina y el Buscapié (Oaxaca); Iraida Noriega, Sonido Gallo Negro, Orquesta Internacional México, Nancy Zamher, Leticia Servín, Byt Band, China Sonidera, Ganjja, Napoleón, Lo s Brass, Eblen Macari Ensamble, Valentina Conde y la Volunda, Nognes Reggae, Alola Melón, Proyecto Talam, Dauma, Sangre Maíz, Orquesta Basura, El poder del barrio y la legendaria banda de rock, ska y punk Los de abajo.

En estos quince años, el Festival Ollin Kan ha generado públicos en torno al gusto y conocimiento de las artes y culturas originarias. Ha participado en el enriquecimiento de la vida cultural al reunir y hacer posible la convivencia y retroalimentación entre artistas nacionales e internacionales, en escenarios públicos y abiertos de nuestra capital , otros espacios en el país  y el mundo.

Su objetivo esencial es, desde su inicio en 2003, promover políticas públicas culturales que tengan una relación dialéctica con los pueblos primigenios de México y del mundo. Asimismo, su vocación es fomentar el intercambio artístico y cultural entre los pueblos con el enorme caudal cultural que forma parte del patrimonio y la diversidad de nuestro país. Y como desde hace 15 años, todos los conciertos son gratuitos y abiertos para todo público.

Crea alumna de la UNAM música de cortometraje que fue a Cannes

Ciudad de México, 29 de Junio (MENSAJE POLÍTICO/CÍRCULO DIGITAL).- Apenas cursa el cuarto semestre de una nueva licenciatura en la UNAM, pero Mayra Daniela Olmedo Garrido ya llevó la música original que compuso para el cortometraje de animación “Ticho: la locura crece bajo el progreso” al Festival de Cine de Cannes 2018.

Estudiante de la primera generación de la licenciatura en Música y Tecnología Acústica que se imparte en la Escuela Nacional de Estudios Superiores (ENES) Morelia, la universitaria viajó en mayo pasado a Cannes junto con la directora de la cinta, Adriana Ronquillo Vásquez, maestra en Artes Visuales, egresada de la UNAM.

En la edición 2018 del mítico festival francés, Ticho… fue el único trabajo de su tipo hecho en México, y sus realizadoras fueron invitadas para presentar su pieza dentro de la Short Film Corner y el catálogo Cannes Court Métrage.

“El corto tuvo una buena recepción allá. Se ha exhibido en Costa Rica y ha pasado por otros festivales, como el Haifa Independent Film Festival. En México, se presentó en Animasivo, el festival más importante en su tipo del país”, señaló Olmedo.

El DVD con el cortometraje se puede adquirir en la página www.lafuriaestudios.com, y se volverá público en 2019, una vez que finalice su presentación en festivales, adelantó.

Música emocional

La historia de Ticho… se basa en un caso real ocurrido hace varias generaciones en Delicias, Chihuahua, conocido en la región por la comunicación “de boca en boca”. Narra la anécdota de un minero que, próximo a casarse, ingresó a una mina donde explotaron materiales tóxicos que lo llevaron a la locura.

El dramático evento truncó el futuro matrimonio y la salud mental del protagonista, que en el corto se asocia con un ave, en referencia a la garza morena, especie que ha desaparecido de la zona debido a la contaminación que causa la extracción minera.

La historia es una crítica social que pone en entredicho la relación entre el ser humano y la naturaleza, y hace énfasis en daños ambientales como la pérdida de poblaciones de aves, la contaminación de los ríos y la autodestrucción humana.

Sin diálogos, una narración de este tipo, con duración de 17 minutos, requería de música emocional, un diseño sonoro que resaltara ciertas características de las escenas, explicó Olmedo.

Por ejemplo, en algunas partes se utilizó el instrumento armenio duduk, que transmite una atmósfera volátil y aérea, muy útil para acompañar el sobrevuelo de un ave sobre los personajes. En otras, se usó la melodía de un minuete, género tradicional de la zona mixteca de Oaxaca, que se utiliza para adornar las iglesias en la celebración del Día de Muertos y cuando fallecen niños, por lo que es una pieza ceremonial y fúnebre.

La musicalización recurrió al saxofón tenor, saxofón alto, duduk, requinto jarocho, chelo, violín, acordeón, quinta huapanguera, guitarra, trompeta, corno francés, tuba, trombón, percusiones, clarinete y voces femeninas y masculinas, entre ellas la de la propia Olmedo. En la producción musical se contó con la participación de Josué Vergara, de La botika Estudio, y más de 15 músicos mexicanos y extranjeros.

Se creó también una pieza de improvisación con base de blues y otra que recupera influencia de la música llanera venezolana, mezclada con décimas y son jarocho. En otra pieza se usaron voces que recuerdan los cantos armónicos de Mongolia, y en la última un arreglo sobre una marcha fúnebre de la Sierra Juárez de Oaxaca.

Mientras continúa su carrera en la UNAM, Daniela Olmedo eligió al canto como expresión artística principal, y después de esta experiencia planea seguir componiendo música para cine de animación.

Un abanico de habilidades y talentos ofrece la producción de El Mago de Oz

Ciudad  de México, 14  Junio  (AMPRYT/CÍRCULO DIGITAL).-Tener la cara perfectamente limpia y afeitada es requisito para realizar el proceso de caracterización del Espantapájaros, comenta  Marvin Ortega, quien hace este papel en la puesta en escena “El Mago de Oz”,  pero también del  Hombre de Hojalata y del  León, personajes de los que podemos disfrutar junto a Dorothy, al Mago de Oz y a las brujas del norte y del oeste, tanto en el Teatro Legaria de la Ciudad de México, como  Morelia, Tlaxacala, San Luis Potosí y Guadalajara, como parte de  la Gira IMSS Cultural Teatros 2018 y bajo la dirección y producción de Alejandro Medina.

El actor relata, en entrevista, cómo su piel se convierte en lienzo para dar rostro al Espantapájaros “a la cara perfectamente limpia le pongo primer, para protegerla,  evitando que la pintura permanezca mucho tiempo en los poros. Esta preparación ayuda para evitar que el maquillaje se cuartee o parezca sucio”. Luego “remojo la brocha, porque uso maquillaje de agua, que permite retirarse con facilidad para  luego poderme caracterizar de un personaje distinto”,  ya que por su trabajo hay ocasiones en que debe transformarse en poco tiempo para dar vida a otro personaje e incorporarse a otra obra de teatro.

El maquillaje de agua, amarillo canario, es el que utiliza y lo aplica “a manera de acuarelas”, luego aplica sombra naranja y realiza delineados con pinceles delgados, tanto en ojos, como en los labios y dibuja pequeños parches con color negro. Luego maquilla las cejas de color café, para destacarlas;  realiza algunas líneas blancas para dar luz y aplica rubor rojo o rosa y finalmente sella el maquillaje con polvo.

Al personaje de  “El Espantapájaros” cada actor, de los que lo alternamos en esta puesta en escena, le damos su toque, “por ejemplo David le da un toque muy padre utilizando blanco y yo lo dejo  más neutral, con mi base amarilla”.

Marvin Ortega  tomó clases en el CECAP y cursos de maquillaje teatral en  la ANDA. Recordó que inició utilizando esponjas de esas conocidas como “quesitos” y al final optó por maquillarse con brochas, que es mucho más fácil, funcional y práctico.

“A veces nos toca una función pegadita a la otra y de un teatro a otro y es venir haciendo acrobacias en el taxi, los delineados y ese tipo de cosas que son muy detalladas. La experiencia de hacerlo tantas veces es que ya lo puede hacer hasta con los ojos cerrados y en movimiento. Creo que ha sido lo más padre de maquillarse y de saberse caracterizar, tenerlo tan medido y al personaje tan  puesto que no importa el movimiento, no importa si está lloviendo, si vamos rápido en movimiento, el personaje debe quedar exactamente igual  siempre.”

Narra que hay vestuarios con los que los actores si se acaloran, como sucede con el León cobarde, ya que es más grueso y hay quienes terminan bañados en sudor. “Todos sudamos por la energía, las luces, pero creo que  sudamos en diferente magnitud por los vestuarios” el del espantapájaros es más ligero, más fresco. El que si podría ser más complicado es el traje del hombre de lata, ya que por sus características no se puede ni sentar en el intermedio.

Por su lado, Rubén Plascencia comenta que le lleva una hora y media darle forma al Hombre de lata, su vestuario solo le permite mover brazos, cabeza y de la cintura hacia abajo. Utiliza una base evitando la parte donde van los prostéticos. Entró hace mes y medio a la producción y asegura que se divierte mucho en El Mago de Oz, ya que el equipo se encuentra muy bien acoplado, de manera que gracias al “timming” pueden incluso insertar chistes a los diálogos.

Todo eso es parte “de la magia del teatro. El teatro es maravilloso e irrepetible”. Consigna Marvin al tiempo que agrega: “El momento en el que Marvin  Ortega se pone ese sombrero, deja de ser Marvin Ortega, se convierte en el maravilloso Espantapájaros, en ese pequeño inocente que no tiene ‘celebro’ y que va en busca de sus sueños.” “Claro que sí, ese personaje me ha dado tanto y estoy tan agradecido con el señor Alejandro Medina por darme la oportunidad de hacer un personaje tan brillante, tan de luz.”

Reflexiona sobre qué pueden hacer sentir a los pequeñitos –del público- con las canciones que interpretan en la obra, y refiere que los niños son como esponjitas y absorben todos los valores que les inculcan en su casa y en su entorno.  “Amo cuando el Espantapájaros dice ‘sentir que soy tan libre como un pájaro  de aserrín’. Sentir la libertad y cumplir mis sueños. Me encanta mi personaje y el mensaje que transmite”, concluye.

Los actores alternan para las diversas presentaciones, de manera que se puede ver a Marvin Ortega o David Tort como el Espantapájaros; a Emmanuel Okaury o  Rubén Plascencia como Hombre de Hojalata y a Manolo Guzmán o  Lalo Arredondo en el personaje del León. Todos estamos invitados a conocerlos y a disfrutar de El Mago de Oz en los Teatros del IMSS: el jueves 14 a las 19:00 horas en la ciudad de Morelia; el sábado 16 a las 12:00 en la capital de Tlaxcala; el jueves 21 a las 19:00 en San Luis Potosí  y el sábado 30, a las 12:00, en Guadalajara.  Para mayor información consulte www.alejandromedinapresenta.co m

Scorsese presentó en Cannes la película mexicana “Enamorada”

Ciudad de México a 10 de Mayo (JUAN R. HERNÁNDEZ/DE VAGOS /CÍRCULO DIGITAL).- El director Martin Scorsese presentó, en función especial, una copia restaurada por la Filmoteca UNAM de la película clásica mexicana “Enamorada”, en la sección “Cannes Classics”.

El mítico director de “Taxi driver” acudió en persona esta tarde a presentar el largometraje, uno de sus favoritos del cine mundial, según ha confesado en varias ocasiones. “Estoy muy entusiasmado de estar aquí”, comentó Scorsese, quien reconoció su “aprecio y fascinación por el cine mexicano”.

Estuvo acompañado por el delegado general del certamen, Thierry Frémaux, quien destacó que la película protagonizada por María Félix y Pedro Armendáriz inauguró la sección de clásicos de Cannes este año.

El director italo-americano repasó durante 10 minutos la historia de la cinta y de su director, Emilio “El Indio” Fernández, de quien recordó algunas anécdotas y mitos, y afirmó que le llevó años ver una copia y descubrir la película.

Scorsese, quien este miércoles recibió el premio “Carrosse d’Or” de la Quincena de Realizadores de Cannes, también elogió la figura del cinefotógrafo Gabriel Figueroa, quien hizo la dirección de fotografía de la cinta, en blanco y negro, y cuya acción se enmarca en la Revolución Mexicana.

Es la segunda vez que el Festival de Cine de Cannes proyecta “Enamorada”. Previamente, en 2005 fue exhibida gratuitamente para el público en la playa de Cannes, durante la 58 edición del certamen.

Una treintena de largometrajes clásicos de todo el mundo se presentan este año en la sección “Cannes Classics” que se celebra en el marco de la 71 edición del Festival de Cine de Cannes, que concluirá el próximo 19 de mayo.

La restauración del largometraje, filmado en 1946, fue realizada, además de por Filmoteca UNAM, por la UCLA Film, Television Archive, The Film Foundation’s World Cinema y Fundación Televisa, y fue financiada por la Material World Charitable Foundation.

Muere el arqueólogo alemán Peter Schmidt

Ciudad de México a 07 de Mayo  (DE VAGOS/CÍRCULO DIGITAL).-El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) lamentó el fallecimiento, ocurrido este lunes, del doctor alemán Peter Johannes Schmidt, quien dedicó cuatro décadas al estudio del área maya.

Mediante un comunicado en la página oficial del INAH, el organismo le dedicó un texto al investigador, acompañado de una galería de fotos, haciendo un recorrido de la vida de quien fue responsable del Proyecto Arqueológico de Chichén Itzá, en Yucatán, desde 1993.

Originario de Hamburgo, Peter Schmidt egresó de la Universidad de Hamburgo, Alemania, en 1967, cursó estudios de Antropología General, Lingüística, Prehistoria y Estudios Americanistas.

Ahí fue alumno del etnólogo e historiador Franz Termer, el arqueólogo Wolfgang Haberland y el experto en escritura maya Günter Zimmermann; entre 1959 y 1960 realizó excavaciones en su natal Alemania.

Posteriormente, trabajó como ayudante de investigación en el Museo de Antropología y Prehistoria de Hamburgo; entre 1961 y 1963 hizo excavaciones en Centroamérica, especialmente en la Isla de Ometepe, Nicaragua.

En 1968 obtuvo el doctorado en filosofía de la Universidad de Hamburgo y su tesis doctoral versó sobre “Las costumbres funerarias de los indígenas del sur de Centroamérica: una investigación etnoarqueológica”.

Llegó a México en 1973 y trabajó como director del Proyecto Huejotzingo, dentro del programa conjunto Puebla-Tlaxcala, a cargo del INAH y con la colaboración de la Fundación Alemana para la Investigación Científica, con el que llevó a cabo trabajos de campo para establecer el patrón de asentamiento en las diferentes épocas de ocupación del área.

En 1977, ingresó al INAH como investigador del Centro INAH Yucatán, donde estuvo adscrito hasta su muerte: realizó trabajos de campo en los sitios arqueológicos de Chichén Itzá, Yucatán; El Meco y Kohunlich, en Quintana Roo, entre 1976 y 1981.

Fundó y dirigió la Ceramoteca del Centro Regional del Sureste del INAH, de 1980 a 1983, y fue director del Museo Regional de Antropología de Yucatán, Palacio Cantón, de 1983 a 1993.

Durante 1979 y 1980 definió y estableció el polígono para proteger y preservar los monumentos arqueológicos de Chichén Itzá, así como la flora y la fauna, que sirvió de base para el decreto presidencial por el que se declaró la Zona de Monumentos Arqueológicos.

En 1993, dirigió el Proyecto de Investigación Arqueológica de Chichén Itzá, con el que estudió la arqueología, arquitectura, iconografía, agricultura, el patrón de asentamiento, materiales, cronología y obras hidráulicas de ese sitio maya.

Fue profesor en la Escuela Nacional de Antropología e Historia (ENAH), en la Ciudad de México, y en la Facultad de Ciencias Antropológicas de la Universidad Autónoma de Yucatán; fue autor de numerosos artículos sobre arqueología mesoamericana y maya.

En 2014, durante la Primera Mesa Redonda del Mayab recibió la Medalla UNESCO de la Diversidad Cultural, por sus aportaciones en materia de conservación del patrimonio histórico de Yucatán, y en 2015 fue galardonado con la Medalla “Yuri Knorozov”, por su estudio sobre la cultura maya.

Una merienda de negros se presenta en la Casa del Lago como parte del programa Teatro en Plazas públicas, Teatro en tu barrio

Ciudad de México a 04 de Mayo  (DE VAGOS/CÍRCULO DIGITAL).-Este montaje es una mezcla de historias, un juego escénico en el que Edgar Chías, el autor, nos advierte: “Nada es lo que parece”. Tres actores tomarán las voces de Otello, Desdémona y Iaggo, para construir una metáfora del manejo del poder y confrontar la anécdota del clásico shakesperiano con el contexto político mundial.

 Los actores José Juan Sánchez, Pamela Almanza y Leonardo Zamudio dan vida a la vez a actores y personajes, y nos llevan a reflexionar sobre nuestra responsabilidad como espectadores de un mundo que se construye en la pantalla, en las primeras planas y en las redes, donde una fotografía se vuelve más real que la realidad misma.

 La dirección escénica corre a cargo de Boris Schoemann*, quien potencializa la fuerza del texto para abordar temas como la discriminación, el falso periodismo, la desaparición, la política económica y por supuesto los negros.

 Esta negritud que aborda Chías en su dramaturgia nos permea a todos, pues cuando habla de negros habla de lo empobrecido, de lo débil, y en este contexto nadie se salva: Otello el Moro, Desdémona mujer y Iaggo sirviente, cargarán siempre la sombra negra que les impone la sociedad.

 La mezcla de historias que propone el autor nos muestra una realidad violenta y saturada de verdades históricas falsas, pero validadas por los medios masivos de comunicación, quienes en la actualidad tienen la última palabra sobre qué historia existe y cuál desaparece.

 La pregunta no es ¿qué es esto?; es ¿quiénes somos? ¿dónde estamos? y… ¿qué nos vamos a merendar?

 Este montaje es una producción de la compañía MALA Teatro. El diseño de escenografía es de Auda Caraza, el de vestuario de Atenea Chávez, la iluminación de Jesús Giles, el diseño sonoro de Isaí Flores, la realización de video de Ernesto Madrigal y la producción ejecutiva y asistencia de dirección de Alejandra N. Ramos.

 Una merienda de negros se presenta los sábados 5, 12, 19 y 26 y los domingos 13 y 27 a las 12:00 horas presentará en el Foro al Aire Libre de la Casa del Lago de la UNAM, como parte del programa Teatro en Plazas públicas, Teatro en tu barrio, del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México. Entrada libre.

Enamorada, película restaurada por la UNAM para el festival de Cannes

Ciudad de México a 26 de Abril (JUAN R. HERNÁNDEZ /DE VAGOS /CÍRCULO DIGITAL).- La Filmoteca UNAM participó en la restauración de la película mexicana Enamorada (1946), de Emilio Indio Fernández, para su presentación en el Festival de Cannes, Francia.

La película, considerada una de las 12 mejores del cine nacional y un clásico de la cinematografía mundial, fue elegida por el mítico director norteamericano Martin Scorsese para ser presentada en función especial dentro de la sección “Cannes Classics”.

“Enamorada fue restaurada gracias a la extraordinaria conservación de una copia de nitrato única, que ha resguardado Filmoteca UNAM. La textura de este tipo de copia permite en las películas en blanco y negro una calidad única para la remasterización de la imagen. La fotografía de Gabriel Figueroa resaltará maravillosamente”, comentó Hugo Villa, director General de Actividades Cinematográficas.

La Universidad también colaboró en el escaneo de los materiales que debido al nitrito conlleva un grado de dificultad técnica importante.

El trabajo de restauración fue realizado por Filmoteca UNAM, además, por Fundación Televisa AC, UCLA Film, Film Archive y The World Cinema Fund, con el financiamiento de la Material World Charitable Foundation.

Scorsese había elegido ya, en 2015, la película protagonizada por María Félix y Pedro Armendáriz para un homenaje al cine mexicano de la época de oro, organizado por el Festival Lumière de Lyon, Francia, que dirige el delegado general de Cannes, Thierry Frémaux.

Además de Enamorada, se proyectarán otros 30 largometrajes clásicos de todo el mundo en la sala Luis Buñuel del Palacio de Festivales del puerto de Cannes, en el sur de Francia.

Es la segunda vez que el Festival de Cannes proyecta este clásico. Previamente, en 2005, la cinta fue presentada en la playa, durante la 58 edición de este festival de cine internacional, y ahora se exhibirá en una fecha no precisada aún, durante la 71 edición, que tendrá lugar entre el 8 y el 19 de mayo próximos.

Enamorada fue multipremiada nacional e internacionalmente: fue nominada a la Palma de Oro del Festival de Cannes en 1947; recibió un reconocimiento a la mejor cinematografía para Gabriel Figueroa en el mismo festival; ganó el premio a mejor fotografía en el Festival de Bruselas, Bélgica en 1947.

En México se llevó el Premio Ariel (1947) a la mejor película; mejor actriz para María Félix; mejor director para Emilio Fernández, y Pedro Armendáriz estuvo nominado como mejor actor.

“Esperamos que muy pronto podamos disfrutar de esta copia única de una de las películas más conocidas del cine nacional”, concluyó Hugo Villa.

ECOFILM abre su convocatoria dedicada a la movilidad sustentable

Ciudad de México a 24 de Abril (DE VAGOS/CÍRCULO DIGITAL).-El Festival Internacional de Cortometrajes Ambientales ECOFILM, proyecto de la Fundación Hombre Naturaleza, abrió su convocatoria en abril 2018 para invitar a: directores, realizadores, cineastas, estudiantes y profesionales de la industria cinematográfica y de publicidad a participar en su 8ª edición dedicada a la Movilidad Sustentable.

El Presidente de la Fundación Hombre Naturaleza: Emmanuel Acha, fue el encargado de dar a conocer los detalles de esta edición en la Sala 7 de la Cineteca Nacional. El presídium estuvo conformado por el Sr. Pedro Torres Presidente del Jurado, el Sec. Rafael Pacchiano de SEMARNAT, la Sec. Tanya Müller de SEDEMA, el Sr. Luis Felipe Quirós de Relaciones Públicas FEMSA, la Ing. Adriana Lobo de WRI, la Dir. Bárbara Martínezde VFS Latinoamérica, y la Dir. de Promoción Cultural Cinematográfica Analilia Altamirano. Bajo la conducción del actor Rodrigo Murray.

Se contó con la presencia de figura importantes de instituciones gubernamentales, empresas y organizaciones civiles con las que se tiene alianza.

La temática de este año, Movilidad Sustentable, se eligió con el objetivo de fomentar la cultura de un transporte que ayude a reducir las emisiones contaminantes y promover condiciones sociales para la convivencia y el respeto en el espacio público; logrando implementar mejores prácticas en México que reflejen innovación y calidad de vida en armonía con el ambiente.

Esto da como resultado natural priorizar a peatones, ciclistas y al transporte público dentro de las políticas públicas. También implica que todos los usuarios seamos responsables de la manera en la que nos movilizamos utilizando energías renovables no contaminantes.

Sobre las BASES DE LA CONVOCATORIA, Selección y Reconocimientos

Las bases de la convocatoria se encuentran en www.ecofilmfestival.org, la fecha de inscripción comienza el 24 de abril y cierra el 14 de julio de 2018 a las 23:59 horas. Cabe resaltar que las inscripciones son gratuitas.

El festival tiene cuatro categorías de participación: Animación, Ficción, Documental y Campaña Audiovisual. Todos los materiales inscritos serán evaluados por un Comité conformado por especialistas del tema: académicos, realizadores y profesionales de la industria cinematográfica. Las obras sometidas a concurso tomando en cuenta la claridad con que el mensaje es expresado, su relevancia en la educación y/o sensibilización hacia la audiencia, público, creatividad, originalidad, contenido y trascendencia.
La decisión del Jurado calificador será inapelable y se dará a conocer durante la Ceremonia de Premiación que, tendrá lugar en la Ciudad de México, cuya fecha y lugar se hará pública a través de www.ecofilmfestival.org y sitios oficiales del festival.

Los ganadores de la 8va edición ECOFILM,
recibirán los siguientes reconocimientos:

  • Premio ECOFILM “Movilidad Sustentable”: $1 millón de pesos
  • Premios por categorías (ficción, documental, animación y campaña audiovisual)

Premios en efectivo o en especie otorgados por nuestros patrocinadores.

  • Beca Latinoamericana de Talento Joven VFS (Vancouver Film School).
  • Reconocimiento a la Mejor Dirección Femenina por parte de SEDEMA
  • Mejor Cortometraje Internacional: Reconocimiento en especie otorgado por nuestros patrocinadores

Podrán sumarse otros premios y reconocimientos no previstos en la presente convocatoria que se publicará en el sitio www.ecofilmfestival.org y otros sitios oficiales del Festival ECOFILM por Fundación Hombre Naturaleza.

MENCIÓN DE PATROCINADORES Y ALIANZAS
SEMARNAT, Secretaría de Cultura, SEDEMA, FEMSA, Fundación FEMSA, Cinépolis, MVS noticias, Grupo IMU, ISA corporativo, 5M2, IMCINE, SPR, Vancouver Film School, Universidad Autónama de Aguascalientes, Cineteca, Filmoteca UNAM, WRI, ITDP, Biblioteca Ibby, Centro de Cultura Digital, Bosque de Chapultepec, Museo Soumaya, entre otros.

Una anatomía de la sombra

Ciudad de México a 16 de Abril (DE VAGOS/CÍRCULO DIGITAL).-Dos actrices exploran el descenso a los infiernos y el retorno a la luz de la ninfa Eurídice, a causa de su deseo devorador por Orfeo, a través de un dispositivo performático que sumerge al público en una experiencia íntima entre la ficción y la realidad.

Esta propuesta surge hace dos años, en Buenos Aires, cuando las actrices Ana Vértiz e Itzel Aparicio, entonces maestrantes en Teatro y Artes Performáticas por la Universidad Nacional de las Artes de Argentina, comenzaron a explorar nuevos lenguajes disruptivos que iban de lo discursivo a lo poético.

Durante su búsqueda de posibilidades en el performance art y la escena contemporánea, comenzaron a construir un espacio escénico libre de las estructuras dominantes de un autor, director o personajes, acto que les permitió tomar las riendas del proceso artístico para explorar el cuerpo en su contundente realidad física y en su posibilidad simbólica.

El desarrollo de esta obra retoma el texto Una anatomía de la sombra del dramaturgo argentino Alejandro Tantanian, basado en el mito de Orfeo y Eurídice, en el que el joven músico pierde a su musa, cuando ésta es mordida por una serpiente, y aunque él trata de recuperarla del inframundo, no consigue sacarla de ahí.

A partir del mito griego, y la interpretación de Tantanian, Ana Vértiz e Itzel Aparicio, logran explorar los límites del arte y transgredirlos para reflexionar sobre las dinámicas de género implícitas en la cultura y el arte, pero esta vez, lo que veremos no es la versión de Orfeo rescatando a su musa, sino la perspectiva de la misma Eurídice, y este cambio de enfoque les permite evidenciar las relaciones de género y poder, por lo que la obra se vincula fuertemente con el contexto mexicano actual, donde la violencia hacia las mujeres es una constante desde hace años en el país.

La obra está dirigida a un público contemporáneo, interesado en nuevas propuestas que exploran las posibilidades performáticas y los límites de la escena expandida. Durante los 40 minutos que dura, el espectador vivirá en un espacio íntimo, sin butacas, en el que deberá seguir de pie a las actrices.

Por la naturaleza misma del montaje, Una anatomía de la sombra es un proyecto efímero, por lo que se proyecta tener sólo 20 funciones; 8 en la Ciudad de México, y 12 en el resto del país, iniciando con el estreno en  Cholula, Puebla el sábado 14 de abril de 2018.

Acompañan a Ana Vértiz e Itzel Aparicio en este proyecto la escenógrafa Fiama Díaz y el compositor Aldo Lombera, así como Alejandro Lugo en la producción ejecutiva y Mariana Moyers en la asistencia de producción.

Una anatomía de la sombra se presentará en el Centro Cultural Segundo Piso calle 10 oriente, núm. 608, San Andrés Cholula, el sábado 14 y domingo 15 de abril a las 20:00 horas. El espectáculo es apto para mayores de 18. El espectador permanece de pie durante el desarrollo de la obra.