Category: CULTURA

El tenor Fausto Villagrán canta “México en el alma” en las fiestas patrias

Ciudad de México, 06 de Septiembre (VIBRACIONES/CÍRCULO DIGITAL).-El cantante Fausto Villagrán lanza su disco “México en el alma” un concierto ranchero que enmarca la música mexicana en sus diferentes épocas históricas y culturales que son respaldadas por la grandeza de la historia de México.

Entre vals, boleros, sones, pasos dobles y romances, los compositores mexicanos adaptaron diversos géneros de habla hispana para hacerlos suyos. Este magno concierto une la historia y el esplendor de una nación llena de cultura y tradición que el universo reconoce como una de las más hermosas y completas.

“Con orgullo se debe ser un embajador de la música mexicana de concierto y la música ranchera con su genuino folklor a fin de rescatar el acervo musical mexicano que se está perdiendo y que tiene un incalculable valor”, destaca el artista.

Añadió que este disco rememora diversas expresiones musicales mexicanas vertidas en el ranchero, desde el huapango, el bolero ranchero, el son jalisciense, coplas, oraciones y versos que han puesto en alto la música del mariachi combinado con temas conocidos en versión ranchera, así como temas de cantautores de gran renombre en nuestro país y el resto del mundo.

A los 18 años inicia sus estudios profesionales en la escuela superior de música de México. Ha tomado clases de perfeccionamiento vocal con diversos tenores y asesores de interpretación.

Con este proyecto desea plasmar los sentimientos y pensamientos de sus maestros y dejar en el corazón de los oyentes mexicanos pasión por su patria y a los extranjeros un grato recuerdo de lo que nuestra nación tiene para dar.

Su pasión por la música se remonta a su niñez cuando Fausto comenzó a cantar, originario de Pachuca, Hidalgo inicia su carrera musical a los 15 años e inicia su preparación al lado de la soprano Hilda Galicia con la cual aprende el dominio vocal.

Con diez producciones discográficas se consolida como un tenor joven y emprendedor. Ha realizado diversos conciertos de ópera para niños a lo largo y ancho del país y en algunos países del sur de América.

En 2017 fue nombrado “Embajador de la Música Mexicana” por la Asociación Mexicana Artistas Pro Independientes de México. Es voz de la Fundación Francisco Gabilondo Soler con el espectáculo “¿Y quién es ese señor?”. Ha participado con diversas orquestas y Bandas Filarmónicas y Sinfónicas de diversos estados del país. Actualmente su Maestra es la Soprano internacional Olivia Gorra, la cual es también pieza clave en este proyecto al ser su asesora vocal para dicha grabación y promotora de la música Mexicana de Concierto.

Los temas que integran “México en el Alma” son:

“México en la piel”, “El Triste”, “Échame A Mi La Culpa”, “La Noche De Mi Mal”, “Urge”,  “La Cigarra”,  “Mi Ciudad”,  “Se Me Olvidó Otra Vez”, “Nadie Te Ama Como Yo”,  “Señora Señora”  y “El Hidalguense”.

Raíz 2.0 con varios finales

Ciudad de México, 30 de Agosto ( MENSAJE POLÍTICO/CÍRCULO DIGITAL).-Un pasado tan remoto que se remonta a hace 80 mil años, y una de las más innovadoras propuestas dramatúrgicas, se combinan para dar vida a la obra teatral Raíz 2.0, cuyo desarrollo y desenlace dependen de las decisiones que tomen los espectadores mediante una App durante cada función.

Dirigida y escrita por Diego Álvarez Robledo, de Principio Investigadores Escénicos, basada en la estructura narrativa de los libros de la colección  “Elige tu propia aventura”, Raíz 2.0 tiene 12 finales posibles. En 2017, cuando fue estrenada en el Teatro Orientación, el prototipo contaba con dos finales.

Actualmente, la tecnología móvil, una investigación histórica, un minucioso proceso de creación actoral y complejos ambientes audiovisuales permiten  al público interactuar en esta puesta que tuvo una primera temporada este año en el Museo Universitario del Chopo.

Se trata del proyecto más ambicioso de la compañía Principio Investigadores Escénicos, y también de uno de los más innovadores al ser no sólo interactivo a través de la telefonía móvil, sino que además es un  montaje de opción múltiple.

La historia comienza cuando Eva Mitocondrial, nuestro ancestro más remoto, busca evitar la extinción de su especie –de nuestra especie– a causa de una sequía, migrando. Mientras parte del clan opta por quedarse a enfrentar su destino, ella decide aventurarse hacia lo desconocido.

Es en ese momento cuando inicia la participación directa del público, quien debe ayudarle desde la aplicación de su celular a elegir hacia dónde migrar. Al finalizar cada escena se presenta una disyuntiva que provoca una nueva interacción hasta completar la ruta que los llevará a uno de los 12 finales.

Al contar con 35 escenas posibles, pero un camino representado de seis escenas, la obra es simultáneamente la misma y otra diferente a la de la función anterior, por lo que el mismo espectador puede volver varias veces a Raíz 2 .0 y ver una obra distinta cada vez.

Raíz 2.0 se presentará en el Foro La NaBe (Dr José María Vertiz 86, Doctores, 06720 Ciudad de México, CDMX) del 21 de agosto al 30 de octubre, los martes a las 20:30 horas, y también tendrá tres fechas en el Teatro Experimental de Jalisco (Calzada Independencia Sur a un costado del Parque agua Azul, Guadalajara, Jal.), el viernes 17 y sábado 18 de agosto a las 20:00 horas, y el domingo 19 de agosto a las 18:00 horas.

Nacahue: Ramón y Hortensia

Ciudad de México, 09 de Agosto (MENSAJE POLÍTICO/CÍRCULO DIGITAL).-Basada en Romeo y Julieta, la obra Nacahue: Ramón y Hortensia no es una típica historia de amor, ni es sólo la clásica tragedia shakesperiana. Ésta, es la historia de dos amantes que pertenecían a pueblos diferentes y que al no entenderse con las palabras decidieron hacerlo con el corazón; es el testimonio de que el miedo no tiene por qué convertirse en odio. Esta obra se estrenará en México con una función especial el 18 de agosto en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

Ramón es cora y se encuentra con su gente participando de la ceremonia de la Semana Santa, ritual sagrado de suma importancia para él y los suyos. Hortensia es huichola, y huye de su pueblo para salvaguardar su vida; decide cruzar por primera vez el río que divide ambos pueblos. Así Ramón y Hortensia se encuentran.

Hablada en español y en náayeri (lengua Cora), Nacahue: Ramón y Hortensia, es la segunda parte de una trilogía que desarrolla la compañía Los Colochos Teatro a partir de obras de William Shakespeare, y que dio inicio con Mendoza, basada en Macbeth, y que finalizará con una reinterpretación de Otelo. La obra se estrenó el año pasado en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro. Fue una coproducción del Festival y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Nacahue: Ramón y Hortensia lleva al espectador a experimentar nuevos caminos de entendimiento no verbal, a través de la musicalidad de la lengua indígena, centrando la atención en lo sensorial, para vivir esta historia desde la emotividad. De este modo, el peso del montaje recae sobre todo en el trabajo actoral, al uso que da del espacio y su trabajo corporal, como principales ejes expresivos para traspasar la barrera del idioma. “Amar es construir con el otro un nuevo idioma”.

La escenografía consta de listones de colores que trazan el espacio en tres dimensiones; y que simbolizan el tejido en la artesanía huichola. Es en esta analogía donde se teje la trama y los personajes se encuentran.

Los Colochos Teatro es una compañía fundada en 2010, integrada por profesionales del arte escénico y con una línea de trabajo muy definida, que han apostado por un teatro crítico, nacional y de calidad. Entre su repertorio se encuentran las obras El juego de la silla, El enigma del Serengueti y Mendoza, con más de 150 representaciones y 20 giras nacionales e internacionales a distintos encuentros y festivales.

Bajo la dirección de Juan Carillo, Nacahue: Ramón y Hortensia cuenta con las actuaciones de Mario Eduardo D’ León, Marianella Villa, Erandeni Durán, Ulises Martínez, Yadira Pérez y Marco Vidal, así como el diseño de dispositivo escénico de Auda Caraza*, el diseño de iluminación y vestuario de Libertad Mardel, la asistencia de dirección de Martín Becerra, la asistencia de producción de Alfredo Monsiváis, la traducción a la lengua Cora de Edisa Altamirano Domínguez y la producción ejecutiva de Carolina Jiménez*.

 Además de la dirección, a Juan Carrillo corresponde la dramaturgia e idea original. Es fundador de la compañía Los Colochos Teatro. Como actor ha participado en más de 40 montajes con directores como Martín Acosta, Claudia Ríos, Mauricio Jiménez, Rosenda Monteros y Emmanuel Márquez. Ha colaborado en compañías como la Compañía Nacional de Teatro, Grupo 55, Figurat, Pallety Títeres y Teatro en Código. Como director ganó el primer lugar en el IV Certamen Internacional de Teatro Clásico Almagro off, 2014 en España, con la obra Mendoza, que ha tenido una extensa proyección nacional e internacional. Ha dirigido montajes para Teatro UNAM, para la Compañía Nacional de Teatro en coproducción con el Festival Internacional Cervantino y es docente en el Centro Morelense de las Artes. Ha impartido talleres nacionales e internacionales de intervención escénica y dramaturgia a partir del trabajo actoral.

Nacahue: Ramón y Hortensia, se presentará el sábado 18 de agosto a las 19:00 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (Donceles 36, Centro Histórico, cerca del Metro Allende). Este es un proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

Boletos en Taquilla y en el sistema Ticketmaster. Localidades: 200 general, 50% de descuento limitado a estudiantes de nivel básico, maestros, trabajadores de gobierno e INAPAM con credencial vigente. Aplican restricciones.

Para consultar completa la programación del Sistema de Teatros de la Ciudad de México, visite: www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx

Tradición y cultura en la XXIX edición del Festival Internacional de Narración Oral Cuéntalee

Ciudad de México, 15 de Julio (DE VAGOS/CÍRCULO DIGITAL).-El Festival Internacional de Narradores Orales Cuéntalee llega a su edición XXIX, y lo hace bajo el lema Las voces de la oralidad y la literatura. Contará con la presencia de artistas de diferentes partes del mundo, quienes compartirán con el público historias de diversas temáticas explotando la tradición oral de cada cultura.

La inauguración será el próximo domingo 15 de julio a las 12:00 en la sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes. Entrada libre, función para jóvenes y adultos.

El Foro Internacional de Narradores Orales (FINO), organizador de esta actividad con apoyo de la Coordinación Nacional de Literatura, presentará narradores orales de Argentina, Cuba, España, Francia, Panamá, Venezuela, Costa Rica y México.

“El Festival no tiene un eje temático, lo cual le da variedad a las fuentes literarias. Los participantes cuentan mucho de las tradiciones orales de sus países, de cada cultura; cuentan historias milenarias, esto hace que el público reciba una mayor variedad de relatos para enriquecer su realidad, su imaginario y su creatividad”, comentó Armando Trejo, director del FINO, al ser entrevistado.

La XXIX edición del Festival Internacional de Narradores Orales contará con 12 actividades dedicadas a adultos, jóvenes y niños en varias partes de la República Mexicana, y tanto la inauguración como la clausura serán en el Palacio de Bellas Artes.

Esta iniciativa se ha ocupado durante 29 años de acercar al público joven al arte de contar cuentos y se integra por más de 100 narradores, algunos con 3 décadas de trayectoria. Todos tienen una formación permanente y sesiones de ensayo para mejorar sus habilidades ante el público.

Dentro del equipo humano que integra al FINO existen diversos grupos que estarán presentes en el festival: Temprano cuentan los abuelos, taller conformado por los adultos mayores, en donde se han formado narradores profesionales. También están los participantes de El barrio toma la palabra, habitantes de los barrios de Tepito, la colonia Guerrero y Peralvillo. Uno de los más nuevos es Voces Trans-parentes, en el cual los integrantes se encargan de testimoniar, a través de su relato, lo que sucede en su entorno.

“El festival se realiza para fomentar y acercar a las personas al gusto por la lectura y la literatura, que encuentren en este ejercicio una actividad y un trabajo de imaginación y de formación”, finalizó el maestro Armando.

El cierre de este programa se llevará a cabo el domingo 22 de julio en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes a las 12:00. Entrada libre.

Hoy inicia el Festival Internacional Ollin Kan, 15 años de generar públicos en torno al gusto y conocimiento de las culturas ancestrales

Ciudad de México, 11 de Julio (MENSAJE POLÍTICO/CÍRCULO DIGITAL).-En 2003 nació en Tlalpan en el Festval Ollin Kan, el de las Culturas en risistencia. Hoy, 15 años después, se consolida como un referente internacional para promover las culturas ancestrales. A la fecha lleva 7 ediciones en Portugal y varias en Mali, Francia, Colombia, Brasil y en la mayoría de los estados de la República Mexicana.

Artistas de todo el mundo han sido parte del Ollin Kan, que en 2018 se realizará del 11 al 22 de julio en el Deportivo Vivanco y el Multiforo que lleva su nombre, ambos en la Delegación de Tlalpan. 16 agrupaciones internacionales y 25 mexicanas ofrecerán más de 40 conciertos en este evento, convertido en un espacio-tiempo que los recibe y cobija, que se abre a la reflexión, el aprendizaje, la aceptación y defensa de las culturas comunitarias.

En el Ollin Kan habita la multiculturalidad y pluralidad étnica que crea nuevos derechos sociales y culturales, en un ámbito de tolerancia e inclusión. Es una fiesta multicolor donde confluyen las expresiones musicales y dancísticas de Guatemala, Costa Rica, Francia, Cuba, Colombia, Venezuela, Malawi, Guinea, Mali, Costa de Marfil, Líbano, Chile y México.

A partir del miércoles 11 de julio el Ollin Kan será escenario de grandes compañías internacionales. Entre otras tres agrupaciones chilenas: Yaya Fuentes, Juanito Ayalay Holman Trío, este último conocido como uno de los más importantes bajistas eléctricos de jazz fusión y rock progresivo de Chile, dedicado a implementar el bajo como instrumento melódico.

De Costa Rica veremos a Huba Watson Sound System, con una interesante mezcla entre reggae y rap. Estará también Pibo Márquez (Champetrío),uno de los más grandes percucionistas de América Latina, quien ha tenido la oportunidad de pertenecer a importantes proyectos de grabación en vivo para la música fusión con gente como Joe Zawinull, Omar Hakim, Chico Freeman, Beny Golson, Antonio Farao, Cheik Tidiane Seck, entre otros. Será una oportunidad para ver a Sekou Kouyate, un joven virtuoso de la kora, que viene desde Guinea para tocar por segunda vez en Tlalpan.

Otros conciertos internacionales estarán a cargo de Awa Sanghoy Paco Sery. Awa Sangho, originaria de Malí, una de las estrellas más brillantes de África Occidental; descendiente de dos grandes imperios, los Songhai de Diré y los Mandés, su apellido indica que proviene de los Mabos, griots, cantantes historiadores de Songhai. Por su parte, Paco Sery, de Costa de Marfil, es uno de los mas virtuosos bateristas a nivel mundial que trabajó con numerosos artistas de diferentes géneros como Manu Dibango, Claude Nougaro y Nina Simone.

El cierre del Ollin Kan, el domingo 22 de julio en el Deportivo Vivanco, será apoteótico. Cheick Tidiane Seck, uno de los músicos mas importantes del África contemporánea. Sus arreglos son muy conocidos por los éxitos que ha tenido con Oumou Sangaré, Salif Keita, Santana,  Didi Bridge Water y Babani Koné, entre otros. Su música está inserta en lo más representativo del África occidental. Combina jazz, blues y la música Mandengue. Cheick es un exquisito de la música de Mali.

Otras agrupaciones internacionales son Viernes verde (Guatemala), Sureda ( Francia), Morena Son (Cuba), Roque y Masauko (Cuba-Malawi) y Afrotronix (Canadá). De los proyectos musicales originarios de nuestro país que exploran y fusionan reggae, ritmos africanos y caribeños, jazz, blues, rap, cumbia, música tradicional y electrónica, entre muchos otros, veremos a Cáñamo, Palos verdes y Mala Yerba ( los tres de Tijuana), Mama Sónika (Morelos), Paulina y el Buscapié (Oaxaca); Iraida Noriega, Sonido Gallo Negro, Orquesta Internacional México, Nancy Zamher, Leticia Servín, Byt Band, China Sonidera, Ganjja, Napoleón, Lo s Brass, Eblen Macari Ensamble, Valentina Conde y la Volunda, Nognes Reggae, Alola Melón, Proyecto Talam, Dauma, Sangre Maíz, Orquesta Basura, El poder del barrio y la legendaria banda de rock, ska y punk Los de abajo.

En estos quince años, el Festival Ollin Kan ha generado públicos en torno al gusto y conocimiento de las artes y culturas originarias. Ha participado en el enriquecimiento de la vida cultural al reunir y hacer posible la convivencia y retroalimentación entre artistas nacionales e internacionales, en escenarios públicos y abiertos de nuestra capital , otros espacios en el país  y el mundo.

Su objetivo esencial es, desde su inicio en 2003, promover políticas públicas culturales que tengan una relación dialéctica con los pueblos primigenios de México y del mundo. Asimismo, su vocación es fomentar el intercambio artístico y cultural entre los pueblos con el enorme caudal cultural que forma parte del patrimonio y la diversidad de nuestro país. Y como desde hace 15 años, todos los conciertos son gratuitos y abiertos para todo público.

Crea alumna de la UNAM música de cortometraje que fue a Cannes

Ciudad de México, 29 de Junio (MENSAJE POLÍTICO/CÍRCULO DIGITAL).- Apenas cursa el cuarto semestre de una nueva licenciatura en la UNAM, pero Mayra Daniela Olmedo Garrido ya llevó la música original que compuso para el cortometraje de animación “Ticho: la locura crece bajo el progreso” al Festival de Cine de Cannes 2018.

Estudiante de la primera generación de la licenciatura en Música y Tecnología Acústica que se imparte en la Escuela Nacional de Estudios Superiores (ENES) Morelia, la universitaria viajó en mayo pasado a Cannes junto con la directora de la cinta, Adriana Ronquillo Vásquez, maestra en Artes Visuales, egresada de la UNAM.

En la edición 2018 del mítico festival francés, Ticho… fue el único trabajo de su tipo hecho en México, y sus realizadoras fueron invitadas para presentar su pieza dentro de la Short Film Corner y el catálogo Cannes Court Métrage.

“El corto tuvo una buena recepción allá. Se ha exhibido en Costa Rica y ha pasado por otros festivales, como el Haifa Independent Film Festival. En México, se presentó en Animasivo, el festival más importante en su tipo del país”, señaló Olmedo.

El DVD con el cortometraje se puede adquirir en la página www.lafuriaestudios.com, y se volverá público en 2019, una vez que finalice su presentación en festivales, adelantó.

Música emocional

La historia de Ticho… se basa en un caso real ocurrido hace varias generaciones en Delicias, Chihuahua, conocido en la región por la comunicación “de boca en boca”. Narra la anécdota de un minero que, próximo a casarse, ingresó a una mina donde explotaron materiales tóxicos que lo llevaron a la locura.

El dramático evento truncó el futuro matrimonio y la salud mental del protagonista, que en el corto se asocia con un ave, en referencia a la garza morena, especie que ha desaparecido de la zona debido a la contaminación que causa la extracción minera.

La historia es una crítica social que pone en entredicho la relación entre el ser humano y la naturaleza, y hace énfasis en daños ambientales como la pérdida de poblaciones de aves, la contaminación de los ríos y la autodestrucción humana.

Sin diálogos, una narración de este tipo, con duración de 17 minutos, requería de música emocional, un diseño sonoro que resaltara ciertas características de las escenas, explicó Olmedo.

Por ejemplo, en algunas partes se utilizó el instrumento armenio duduk, que transmite una atmósfera volátil y aérea, muy útil para acompañar el sobrevuelo de un ave sobre los personajes. En otras, se usó la melodía de un minuete, género tradicional de la zona mixteca de Oaxaca, que se utiliza para adornar las iglesias en la celebración del Día de Muertos y cuando fallecen niños, por lo que es una pieza ceremonial y fúnebre.

La musicalización recurrió al saxofón tenor, saxofón alto, duduk, requinto jarocho, chelo, violín, acordeón, quinta huapanguera, guitarra, trompeta, corno francés, tuba, trombón, percusiones, clarinete y voces femeninas y masculinas, entre ellas la de la propia Olmedo. En la producción musical se contó con la participación de Josué Vergara, de La botika Estudio, y más de 15 músicos mexicanos y extranjeros.

Se creó también una pieza de improvisación con base de blues y otra que recupera influencia de la música llanera venezolana, mezclada con décimas y son jarocho. En otra pieza se usaron voces que recuerdan los cantos armónicos de Mongolia, y en la última un arreglo sobre una marcha fúnebre de la Sierra Juárez de Oaxaca.

Mientras continúa su carrera en la UNAM, Daniela Olmedo eligió al canto como expresión artística principal, y después de esta experiencia planea seguir componiendo música para cine de animación.

Un abanico de habilidades y talentos ofrece la producción de El Mago de Oz

Ciudad  de México, 14  Junio  (AMPRYT/CÍRCULO DIGITAL).-Tener la cara perfectamente limpia y afeitada es requisito para realizar el proceso de caracterización del Espantapájaros, comenta  Marvin Ortega, quien hace este papel en la puesta en escena “El Mago de Oz”,  pero también del  Hombre de Hojalata y del  León, personajes de los que podemos disfrutar junto a Dorothy, al Mago de Oz y a las brujas del norte y del oeste, tanto en el Teatro Legaria de la Ciudad de México, como  Morelia, Tlaxacala, San Luis Potosí y Guadalajara, como parte de  la Gira IMSS Cultural Teatros 2018 y bajo la dirección y producción de Alejandro Medina.

El actor relata, en entrevista, cómo su piel se convierte en lienzo para dar rostro al Espantapájaros “a la cara perfectamente limpia le pongo primer, para protegerla,  evitando que la pintura permanezca mucho tiempo en los poros. Esta preparación ayuda para evitar que el maquillaje se cuartee o parezca sucio”. Luego “remojo la brocha, porque uso maquillaje de agua, que permite retirarse con facilidad para  luego poderme caracterizar de un personaje distinto”,  ya que por su trabajo hay ocasiones en que debe transformarse en poco tiempo para dar vida a otro personaje e incorporarse a otra obra de teatro.

El maquillaje de agua, amarillo canario, es el que utiliza y lo aplica “a manera de acuarelas”, luego aplica sombra naranja y realiza delineados con pinceles delgados, tanto en ojos, como en los labios y dibuja pequeños parches con color negro. Luego maquilla las cejas de color café, para destacarlas;  realiza algunas líneas blancas para dar luz y aplica rubor rojo o rosa y finalmente sella el maquillaje con polvo.

Al personaje de  “El Espantapájaros” cada actor, de los que lo alternamos en esta puesta en escena, le damos su toque, “por ejemplo David le da un toque muy padre utilizando blanco y yo lo dejo  más neutral, con mi base amarilla”.

Marvin Ortega  tomó clases en el CECAP y cursos de maquillaje teatral en  la ANDA. Recordó que inició utilizando esponjas de esas conocidas como “quesitos” y al final optó por maquillarse con brochas, que es mucho más fácil, funcional y práctico.

“A veces nos toca una función pegadita a la otra y de un teatro a otro y es venir haciendo acrobacias en el taxi, los delineados y ese tipo de cosas que son muy detalladas. La experiencia de hacerlo tantas veces es que ya lo puede hacer hasta con los ojos cerrados y en movimiento. Creo que ha sido lo más padre de maquillarse y de saberse caracterizar, tenerlo tan medido y al personaje tan  puesto que no importa el movimiento, no importa si está lloviendo, si vamos rápido en movimiento, el personaje debe quedar exactamente igual  siempre.”

Narra que hay vestuarios con los que los actores si se acaloran, como sucede con el León cobarde, ya que es más grueso y hay quienes terminan bañados en sudor. “Todos sudamos por la energía, las luces, pero creo que  sudamos en diferente magnitud por los vestuarios” el del espantapájaros es más ligero, más fresco. El que si podría ser más complicado es el traje del hombre de lata, ya que por sus características no se puede ni sentar en el intermedio.

Por su lado, Rubén Plascencia comenta que le lleva una hora y media darle forma al Hombre de lata, su vestuario solo le permite mover brazos, cabeza y de la cintura hacia abajo. Utiliza una base evitando la parte donde van los prostéticos. Entró hace mes y medio a la producción y asegura que se divierte mucho en El Mago de Oz, ya que el equipo se encuentra muy bien acoplado, de manera que gracias al “timming” pueden incluso insertar chistes a los diálogos.

Todo eso es parte “de la magia del teatro. El teatro es maravilloso e irrepetible”. Consigna Marvin al tiempo que agrega: “El momento en el que Marvin  Ortega se pone ese sombrero, deja de ser Marvin Ortega, se convierte en el maravilloso Espantapájaros, en ese pequeño inocente que no tiene ‘celebro’ y que va en busca de sus sueños.” “Claro que sí, ese personaje me ha dado tanto y estoy tan agradecido con el señor Alejandro Medina por darme la oportunidad de hacer un personaje tan brillante, tan de luz.”

Reflexiona sobre qué pueden hacer sentir a los pequeñitos –del público- con las canciones que interpretan en la obra, y refiere que los niños son como esponjitas y absorben todos los valores que les inculcan en su casa y en su entorno.  “Amo cuando el Espantapájaros dice ‘sentir que soy tan libre como un pájaro  de aserrín’. Sentir la libertad y cumplir mis sueños. Me encanta mi personaje y el mensaje que transmite”, concluye.

Los actores alternan para las diversas presentaciones, de manera que se puede ver a Marvin Ortega o David Tort como el Espantapájaros; a Emmanuel Okaury o  Rubén Plascencia como Hombre de Hojalata y a Manolo Guzmán o  Lalo Arredondo en el personaje del León. Todos estamos invitados a conocerlos y a disfrutar de El Mago de Oz en los Teatros del IMSS: el jueves 14 a las 19:00 horas en la ciudad de Morelia; el sábado 16 a las 12:00 en la capital de Tlaxcala; el jueves 21 a las 19:00 en San Luis Potosí  y el sábado 30, a las 12:00, en Guadalajara.  Para mayor información consulte www.alejandromedinapresenta.co m

Scorsese presentó en Cannes la película mexicana “Enamorada”

Ciudad de México a 10 de Mayo (JUAN R. HERNÁNDEZ/DE VAGOS /CÍRCULO DIGITAL).- El director Martin Scorsese presentó, en función especial, una copia restaurada por la Filmoteca UNAM de la película clásica mexicana “Enamorada”, en la sección “Cannes Classics”.

El mítico director de “Taxi driver” acudió en persona esta tarde a presentar el largometraje, uno de sus favoritos del cine mundial, según ha confesado en varias ocasiones. “Estoy muy entusiasmado de estar aquí”, comentó Scorsese, quien reconoció su “aprecio y fascinación por el cine mexicano”.

Estuvo acompañado por el delegado general del certamen, Thierry Frémaux, quien destacó que la película protagonizada por María Félix y Pedro Armendáriz inauguró la sección de clásicos de Cannes este año.

El director italo-americano repasó durante 10 minutos la historia de la cinta y de su director, Emilio “El Indio” Fernández, de quien recordó algunas anécdotas y mitos, y afirmó que le llevó años ver una copia y descubrir la película.

Scorsese, quien este miércoles recibió el premio “Carrosse d’Or” de la Quincena de Realizadores de Cannes, también elogió la figura del cinefotógrafo Gabriel Figueroa, quien hizo la dirección de fotografía de la cinta, en blanco y negro, y cuya acción se enmarca en la Revolución Mexicana.

Es la segunda vez que el Festival de Cine de Cannes proyecta “Enamorada”. Previamente, en 2005 fue exhibida gratuitamente para el público en la playa de Cannes, durante la 58 edición del certamen.

Una treintena de largometrajes clásicos de todo el mundo se presentan este año en la sección “Cannes Classics” que se celebra en el marco de la 71 edición del Festival de Cine de Cannes, que concluirá el próximo 19 de mayo.

La restauración del largometraje, filmado en 1946, fue realizada, además de por Filmoteca UNAM, por la UCLA Film, Television Archive, The Film Foundation’s World Cinema y Fundación Televisa, y fue financiada por la Material World Charitable Foundation.

Muere el arqueólogo alemán Peter Schmidt

Ciudad de México a 07 de Mayo  (DE VAGOS/CÍRCULO DIGITAL).-El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) lamentó el fallecimiento, ocurrido este lunes, del doctor alemán Peter Johannes Schmidt, quien dedicó cuatro décadas al estudio del área maya.

Mediante un comunicado en la página oficial del INAH, el organismo le dedicó un texto al investigador, acompañado de una galería de fotos, haciendo un recorrido de la vida de quien fue responsable del Proyecto Arqueológico de Chichén Itzá, en Yucatán, desde 1993.

Originario de Hamburgo, Peter Schmidt egresó de la Universidad de Hamburgo, Alemania, en 1967, cursó estudios de Antropología General, Lingüística, Prehistoria y Estudios Americanistas.

Ahí fue alumno del etnólogo e historiador Franz Termer, el arqueólogo Wolfgang Haberland y el experto en escritura maya Günter Zimmermann; entre 1959 y 1960 realizó excavaciones en su natal Alemania.

Posteriormente, trabajó como ayudante de investigación en el Museo de Antropología y Prehistoria de Hamburgo; entre 1961 y 1963 hizo excavaciones en Centroamérica, especialmente en la Isla de Ometepe, Nicaragua.

En 1968 obtuvo el doctorado en filosofía de la Universidad de Hamburgo y su tesis doctoral versó sobre “Las costumbres funerarias de los indígenas del sur de Centroamérica: una investigación etnoarqueológica”.

Llegó a México en 1973 y trabajó como director del Proyecto Huejotzingo, dentro del programa conjunto Puebla-Tlaxcala, a cargo del INAH y con la colaboración de la Fundación Alemana para la Investigación Científica, con el que llevó a cabo trabajos de campo para establecer el patrón de asentamiento en las diferentes épocas de ocupación del área.

En 1977, ingresó al INAH como investigador del Centro INAH Yucatán, donde estuvo adscrito hasta su muerte: realizó trabajos de campo en los sitios arqueológicos de Chichén Itzá, Yucatán; El Meco y Kohunlich, en Quintana Roo, entre 1976 y 1981.

Fundó y dirigió la Ceramoteca del Centro Regional del Sureste del INAH, de 1980 a 1983, y fue director del Museo Regional de Antropología de Yucatán, Palacio Cantón, de 1983 a 1993.

Durante 1979 y 1980 definió y estableció el polígono para proteger y preservar los monumentos arqueológicos de Chichén Itzá, así como la flora y la fauna, que sirvió de base para el decreto presidencial por el que se declaró la Zona de Monumentos Arqueológicos.

En 1993, dirigió el Proyecto de Investigación Arqueológica de Chichén Itzá, con el que estudió la arqueología, arquitectura, iconografía, agricultura, el patrón de asentamiento, materiales, cronología y obras hidráulicas de ese sitio maya.

Fue profesor en la Escuela Nacional de Antropología e Historia (ENAH), en la Ciudad de México, y en la Facultad de Ciencias Antropológicas de la Universidad Autónoma de Yucatán; fue autor de numerosos artículos sobre arqueología mesoamericana y maya.

En 2014, durante la Primera Mesa Redonda del Mayab recibió la Medalla UNESCO de la Diversidad Cultural, por sus aportaciones en materia de conservación del patrimonio histórico de Yucatán, y en 2015 fue galardonado con la Medalla “Yuri Knorozov”, por su estudio sobre la cultura maya.

Una merienda de negros se presenta en la Casa del Lago como parte del programa Teatro en Plazas públicas, Teatro en tu barrio

Ciudad de México a 04 de Mayo  (DE VAGOS/CÍRCULO DIGITAL).-Este montaje es una mezcla de historias, un juego escénico en el que Edgar Chías, el autor, nos advierte: “Nada es lo que parece”. Tres actores tomarán las voces de Otello, Desdémona y Iaggo, para construir una metáfora del manejo del poder y confrontar la anécdota del clásico shakesperiano con el contexto político mundial.

 Los actores José Juan Sánchez, Pamela Almanza y Leonardo Zamudio dan vida a la vez a actores y personajes, y nos llevan a reflexionar sobre nuestra responsabilidad como espectadores de un mundo que se construye en la pantalla, en las primeras planas y en las redes, donde una fotografía se vuelve más real que la realidad misma.

 La dirección escénica corre a cargo de Boris Schoemann*, quien potencializa la fuerza del texto para abordar temas como la discriminación, el falso periodismo, la desaparición, la política económica y por supuesto los negros.

 Esta negritud que aborda Chías en su dramaturgia nos permea a todos, pues cuando habla de negros habla de lo empobrecido, de lo débil, y en este contexto nadie se salva: Otello el Moro, Desdémona mujer y Iaggo sirviente, cargarán siempre la sombra negra que les impone la sociedad.

 La mezcla de historias que propone el autor nos muestra una realidad violenta y saturada de verdades históricas falsas, pero validadas por los medios masivos de comunicación, quienes en la actualidad tienen la última palabra sobre qué historia existe y cuál desaparece.

 La pregunta no es ¿qué es esto?; es ¿quiénes somos? ¿dónde estamos? y… ¿qué nos vamos a merendar?

 Este montaje es una producción de la compañía MALA Teatro. El diseño de escenografía es de Auda Caraza, el de vestuario de Atenea Chávez, la iluminación de Jesús Giles, el diseño sonoro de Isaí Flores, la realización de video de Ernesto Madrigal y la producción ejecutiva y asistencia de dirección de Alejandra N. Ramos.

 Una merienda de negros se presenta los sábados 5, 12, 19 y 26 y los domingos 13 y 27 a las 12:00 horas presentará en el Foro al Aire Libre de la Casa del Lago de la UNAM, como parte del programa Teatro en Plazas públicas, Teatro en tu barrio, del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México. Entrada libre.